Das Konzert im Lido war gleichzeitig Abschluss der Europatour der Band. Und man konnte ihnen anmerken, wie gern sie zu dieser Gelegenheit dem Publikum nochmals ein eindrückliches und wunderbares Erlebnis kredenzen wollten. Aber bei aller Mühe muss gesagt werden, der Star dieses Abends war das Publikum. Denn noch nie habe ich erlebt, dass bei einem Stars-Konzert mit so unglaublich viel Hingabe und so zahlreich mitgesungen wurde. Jedes einzelne Lied wurde zelebriert. Die Musik, die die Band ins Publikum gab, wurde mit ganz viel Liebe ummantelt und so entwickelte sich jeder Song zu einem ganz besonderem Moment. Klingt pathetisch, aber eben, Pathos war an diesem Abend das Hauptthema an diesem Ort.

Ich kann deswegen auch keine einzelnen Songs herausheben, es war tatsächlich ein durchgängiges Glücksgefühl, welches erzeugt wurde. Und dazu kam noch die riesengrosse Dankbarkeit. Auf Seiten der Band, dass es noch immer Menschen gibt, die ihre Musik mögen, die zu ihren Konzerten kommen und zeigen, wie viel ihnen die Songs bedeuten. Und auf Seiten der Besucher:innen, die die Livemusik im Herzen tragen und so froh waren, diese auch wieder im ganzen Körper spüren zu können und die sich eine Welt ohne diese Livemusik lieber nicht mehr vorstellen möchten.

Time to build a fire
Time to light it up
Time to let it burn bright and then it’s time to stop

Build a fire – Stars

Stars „Set Yourself On Fire 15th Anniversary Tour“ | Strom, München | 22.09.19

Fast fünf Jahre sind vergangen, seit die Stars das letzte Mal in Deutschland Konzerte spielten. Und meine Sehnsucht war vor diesem Konzert sehr groß. Zum Glück brachte das Jubiläum des erfolgreichsten Albums „Set Yourself on Fire“ die Band wieder nach Europa und mich zu meinem ersten Besuch auf dem Oktoberfest in München. Einfach weil der Club direkt neben der Theresienwiese war und die Zeit bis zum Konzertbeginn genutzt werden wollte.

Leider war es uns nicht vergönnt, das gesamte Konzert zu erleben, da wir vorzeitig gehen und den letzten Zug erreichen mussten. Aber trotzdem war es ein wunderbares Erlebnis. Nach dem Supportact, einem Sänger mit wirklich guter Stimme, dessen Namen mir leider entfallen ist, wurde das gesamte „Set Yourself on Fire“-Meisterwerk vom ersten bis zum letzten Song gespielt. Oder eher zelebriert, denn das Publikum war in weiten Teilen textsicher und sang inbrünstig mit. Apropos Inbrunst, meiner Meinung nach ist das besondere an den Stars, wie sehr die ihre Musik auf der Bühne leben. Das ist teils eher ein Theaterstück als ein Konzert, so sehr gehen Torquil und Amy in den Songs auf. Das ist so eine Freude, dies erleben zu können. Auch wenn wir vom zweiten Teil, bei dem dann vor allem neuere Lieder gespielt wurde, nur noch einen Teil mitbekommen konnte. Diese Auftritt hat das Herz wieder erwärmt und es dauert hoffentlich nicht wieder so viele Jahre bis zur nächsten Gelegenheit.

Und falls das hier jemand liest und diese Band auch ins Herz geschlossen hat, unterstützt gern die Künstler, vor allem in der konzertlosen Zeit. Die Stars gehen dabei einen speziellen Weg und versorgen Unterstützer bei Patreon mit Unmengen an Output.

Stereofysh | Kater Blau, Berlin | 23.01.20

Im schwierig zu findenden Kater-Klub durfte man keine Bilder machen, deswegen hier ein Heimat-Symbolbild.

Die Erinnerungen an dieses Konzert sind nicht ganz so eingeprägt wie die ans Stars-Konzert. Aber ich erinnere mich an liebe Menschen, schöne Musik, matschigen Sound und Rückenschmerzen. Klingt wahrscheinlich negativer als eigentlich gemeint. Die Stereofyshe haben ein wunderbares und, trotz kurzer Vorbereitungszeit, überzeugendes und mitreissendes Konzert gespielt. Es gab auch neue Lieder zu hören, die Appetit auf ein neues Album machen. Und das Publikum wurde durch ausgefeilte Aktionen zum Mitsingen animiert. Sehr lustig war das alles.

Tim Baker, Half Moon Run | Salzhaus, Winterthur | 02.03.20

Schon ein wenig vom Corona-Virus beeinflusst, durfte ich auch dieses Jahr ein Geburtstagskonzert erleben. Eigentlich wollte die Band an diesem Termin in Norditalien sein, dort war aber schon Corona-Krise und so spielte man sehr kurzfristig in Winterthur.

Ich muss aber ganz ehrlich gestehen, dass ich nur wegen dem Supportact ans Konzert gegangen bin. Denn dieser Tim Baker hat solch ein wunderbares Debütalbum im Jahr 2019 veröffentlicht, dass ich die Musik unglaublich gern live erleben wollte. Und dann steht der da allein auf der Bühne auch schon allein die Stimme sorgt für Gänsehaut am ganzen Körper. Was für ein wunderbares Erlebnis. Und sehr schwer zu beschreiben. Gespielt wurden auch ein paar Hey Rosetta!-Songs und mir wurde wieder schwer ums Herz bei dem Gedanken, dass man die Band nicht mehr live erleben kann. Und offensichtlich gefiel nicht nur mir diese Darbietung, das Publikum war insgesamt sehr aufmerksam und lauschte gern den Liedern.

Half Moon Run zogen dann zwar mehr Menschen vor die Bühne, aber die Stimmung war meiner Meinung nach nicht mehr so gut wie bei Tim Bakers Auftritt. Die Band war aber auch schwer zu fassen. Musikalisch war das sicher sehr fein, aber irgendwie wirkte es zu aufgeblasen und unecht. Dazu kam eine völlig übertriebene Lightshow, die teils die Augen aus dem Kopf herausbrannte. Spielfreude kam auch nicht wirklich rüber und ich fragte mich die ganze Zeit, was wohl die Motivation dieser Musiker für ihren Auftritt ist. Bei Tim Baker hat man noch die Hingabe in seinen Songs gespürt, bei dieser Band war da nichts. Aber eben, musikalisch war es trotzdem eindrücklich.

Noch weiss niemand, wie es mit der Konzertwelt weitergeht und welche Auswirkungen das Virus haben wird. Ich hoffe einfach insgeheim, dass ich nächstes Jahr wieder ein Geburtstagskonzert erleben darf. Das wäre eine schöne Sache. Denn eines ist Fakt, die Livemusik fehlt mir schon jetzt sehr.

Zunächst sind da die Shout Out Louds, die seit Jahren keine Konzerte mehr gespielt haben. Dabei war ihr Musik für mich immer der perfekte Soundtrack für wunderbare Sommertage. Und nun sind die wieder da, haben ein neues Album eingespielt und ein neues Lied bereits veröffentlicht. Und es klingt wieder nach Sommer.

Ebenfalls zurück ist meine liebste Lieblingsband. Wobei Band nicht korrekt ist, die Broken Social Scene ist das weltbeste Kollektiv grandioser Musiker. Auch diese haben ein neues Album eingespielt und bereits ein Lied veröffentlicht. „Halfway Home“ erzeugt bei mir eine Flut an positiven Gefühlen. Ich kann es kaum erwarten, die Musik live zu hören. In gut einem Monat ist es schon soweit, auf dem wunderbaren Immergut. Wo auch die Shout Out Louds spielen werden. Liebe, Liebe, Liebe!

Im BSS-Kollektiv ist auch wieder die wunderbare Feist dabei, die ebenfalls ein neues Album in den nächsten Tagen veröffentlichen wird. Und dann sind da noch die Stars, die weltbeste Liveband. Und es ist fast schon wie im Traum, aber auch diese Musiker werden demnächst ein neues Album veröffentlichen. Und dann sicher auch wieder auf Tour nach Europa kommen.

Ein bissl Weihnachtsmusik aus Kanada, zum Beispiel von den Stars, gibt es zum Fest. Hier die komplette Sammlung, eine Stunde mehr oder weniger besinnliche Weihnachtsstimmung. Frohe Weihnachten und denkt auch an die, die nicht so satt und sorgenfrei sein können.

A Very Strombo Christmas

Stars – Trap Door (Official Music Video)

Schade eigentlich, dass die Stars nicht das Konzert in Berlin filmisch festgehalten haben, denn da war die Darbietung dieses Liedes noch ungefähr dreihundertzwölfkommadreimal intensiver als in diesem trotzdem großartigen Video.

https://herr-b.de/2015/01/planetarium-im-doppelpack/

Unter Umständen können sich Momente wiederholen. Diesmal waren die Umstände das Konzert der Stars Ende Zwanzigzwölf und nun Anfang Zwanzigfünfzehn, jeweils im Luxor/Köln. Wieder war es ein großartiges Konzert, wieder war der Sound grottig, wieder hat es mich nach vorn vor die Bühne gezogen (diesmal bei „Take me to the riot“) und wieder fühlte sich jemand dadurch gestört. Und wieder musste ich den letzten Zug erwischen. Doch diesmal war ich schlauer. Um mich nicht wieder zwei Jahre dafür ärgern zu müssen, das Konzert nicht bis zum Ende erlebt zu haben, hatte ich in weiser Voraussicht noch mehr Tickets für diese Tour gekauft. Unterschiede zum Auftritt anno Zwanzigzwölf gab es aber auch. Es wurden neue Lieder gespielt, die erstaunlich gut ankamen und mitgesungen wurden. Und es gab eine andere Vorband, namens Children aus Berlin, ein Drittel davon sogar bekannt aus dem Stereofysh Orchestra.

Stars + Children | Bi Nuu, Berlin | 22.01.15

Zwei Tage darauf begab ich mich nach Berlin. In großer Vorfreude, waren die Konzerte in Berlin in den letzten Monaten doch ausnahmslos großartige Momente gewesen, fest eingebrannt in meinem Gedächtnis. Und dieses Konzert machte keine Ausnahme. Keine zwei Lieder dauerte es, bis mir die innere Stimme befahl, mich direkt vor die Bühne zu begeben. Um aus nächster Nähe mitzuerleben, wie Sängerin Amy und Sänger Torquil ihre Lieder voller Inbrunst und mit einer großen Portion Theatralik darboten. All die Emotionen wurden mit einer großen Menge an Kraft und Energie freigelassen. Rausgeschleudert. Und aufgezogen von denen, die sich darauf einließen. Ganz gleich ob positive oder negative Gefühle. Ob Wut, Enttäuschung, Liebe oder Freude.

Put your hands up if you know you’re gonna lose.

Jeder Song wurde gefeiert. Die alten Hits ebenso wie die noch jungen Werke. Alles ging direkt ins Herz und entfaltete da seine Wirkung. Und am Ende war man zu Tränen gerührt. Am Ende von „No one is lost“ weinte Sänger Torquil, überwältigt von den Emotionen. Und vom Anblick der feiernden Menge vor der Bühne.

Nach dem Zugabenblock, als noch immer applaudiert wurde, kam Amy zurück auf die Bühne. Um zusammen mit dem Gitarristen und mit gesanglicher Unterstützung des Publikums „My favourite book“ darzubieten. Wobei, eher war es eine gemeinsame Darbietung mit dem Publikum. Ein wunderbarer und vielleicht einzigartiger Moment. Und der krönende Abschluss eines denkwürdigen Konzertes. Und im Wissen, dass es am nächsten Tag in München nicht so viel besser werde könnte, fiel die endgültige Entscheidung in Berlin zu bleiben und das Instrument-Konzert zu besuchen.

Das Musikjahr Zwanzigvierzehn stellt glücklicherweise einen besseren Jahrgang als das Vorgängerjahr dar. War Zwanzigdreizehn die Anzahl guter Alben noch sehr überschaubar und ließ den Appetit auf neues Material von den Stars oder der Broken Social Scene riesig werden, so gab es dieses Jahr die Befriedigung dieser Bedürfnisse und ein paar Überraschungen noch obendrein.

1. Anna Aaron – Neuro: Logischerweise mein Album des Jahres. Weil es einfach das beste Album des Jahres ist, in all seiner Vielfalt und dem Mut, der in diesem Stück steckt. Aber auch, weil die Lieder live nochmals so viel besser sind, die Musiker sich so grandios entwickelt haben und ich sie so wahnsinnig gern live gesehen habe. Beim großartigen Konzert in Berlin, in kleinem Kreis in Köln und natürlich daheim in der KulturArena. Und natürlich verbinde ich mit diesem Album auch das allerbeste Interview des Jahres, wahrscheinlich das Gespräch mit dem größten Tiefgang in diesem Jahr, trotz megagroßer Aufgeregtheit meinerseits. All das zusammen macht aus Neuro mein Album des Jahres, mit großem Abstand.
2. Stars – No One is Lost: Irgendwie schaffen es die Stars halt immer wieder, das Leben in Musik zu packen. Mit allen Höhen und Tiefen. Bei diesem Album mehr Höhen als Tiefen, auch ein Grund weshalb ich mich so sehr auf die Konzerte freue. Nur noch drei Wochen, dann kann dieses Album endlich gebührend zelebriert werden.
3. Beatsteaks – Beatsteaks: Das Album für den Start in den Tag. Wenn last.fm noch nach Zeitpunkt des Hörens auswerten würde, würde genau dies dabei rauskommen. Ich hab es oft am Morgen gehört, um gut in den Tag zu kommen. Das Album ist kein großes Meisterwerk, es ist aber wahnsinnig sympathisch, wie die Beatsteaks selbst eben auch. Und nach einigen Enttäuschungen von dieser Band war ich überrascht, wie gut das Album bereits nach den ersten Durchläufen gefallen konnte. Gut gemacht, Beatbulletten.
4. Kevin Drew – Darlings: Zwar kein neues Broken Social Scene-Album, aber fast so gut. Kevin Drew hat ein gutes Herz und packt seine Gedanken in große Songs. Außerdem ist Feist mit dabei und überhaupt, dieses Album gehört in jedes Musikherz.
5. LaBrassBanda – Kiah Royal: Das wurde in einem Kuhstall aufgezeichnet. Und das hört man. Das Muhen. Ich mag das sehr. Die Musik ist aber auch wunderbar.
6. INSTRUMENT – Read Books: Großartige, wunderbar vielschichtige Rockmusik. Wurde von mir auch rezensiert. Und wäre sicher auch weiter vorn gelandet, wenn ich die Musik denn auch mal live hätte erleben können. Leider wurde das Konzert abgesagt und eine andere Möglichkeit hat sich nicht ergeben. Sehr schade.
7. Clueso – Stadtrandlichter: Da steckt ganz viel Heimat drin. Und Kindheitserinnerungen. Das hat der Clueso echt gut gemacht. Leider sind die Konzerte zu groß und damit zu unattraktiv für mich, um auch da freizudrehen.
8. Heidi Happy – Golden Heart: Der Start war schwierig mit diesem Album. Aber nach dem Konzert in Leipzsch und vor allem dem zweitbesten Interview des Jahres, fand ich den Zugang zu diesem Werk. Und kann es jetzt nur weiterempfehlen. Damit zukünftig mehr Besucher zu den Konzerten kommen und ich nicht mehr frustriert direkt im Anschluss ans Konzert einen Bericht in meinen Rechner auf dem Hotelbett kloppen muss.
9. Mighty Oaks – Howl: Ich bin noch immer der Meinung, dass die EP besser war. Gut ist das Album trotzdem. Und der zugehörige Auftritt in der KulturArena war halt auch grandios.

Das Album, welches ich jetzt ausgelassen habe, ist von 2013. Und ich habe es lange nicht mehr gehört und kann deswegen nichts drüber schreiben. Aber gut ist es trotzdem und wird genauso wie all die anderen weiterempfohlen von mir.

Ich wünsch mir für Zwanzigfünfzehn übrigens ein neues Nada Surf-Album plus Tour. Das wäre ne feine Sache.

Also wegen mir können wir gern den Dezember, den doofsten, weil der grauste, dunkelste, stressigste und verlogenste, Monat des Jahres, überspringen und direkt in den Januar Zwanzigfünfzehn starten. Da Zeitreisen aber nicht möglich sind, hilft nur Augen zu und durch. Und bei Noisetrade die kostenlose No One is Lost-Tour EP runterladen und auf die Konzerte freuen.

• 19.01.2015 | Frankfurt – Zoom
• 20.01.2015 | Köln – Luxor
• 21.01.2015 | Hamburg – Knust
• 22.01.2015 | Berlin – Bi Nuu
• 23.01.2015 | München – Strom

In der Schweiz ist leider nichts geplant. Österreich auch nicht. Vielleicht kommt ja noch was, später.

Wer möchte, kann das Album auch gewinnen, das wird von mir zweimal auf CD bei Mainstage verlost.

Und weil ich es schon besitze und auch den zugehörigen Pressetext und ich den Originaltext von der Plattenfirma so großartig finde, gibt es ebenjenen jetzt hier zu lesen. Bitte lasst euch das nicht entgehen, also Text, Album und Konzerte.

Like their celestial namesake, Stars only come out at night. It’s been 14 years since the Montreal band debuted with an album of intimate synth-pop whispers titled Nightsongs, but really, any of the increasingly assertive and sonically elaborate records they’ve released since could be named that. Whether between the sheets or on the streets, the nighttime is when the most pivotal moments of your life play out: the drunken dusk-to-dawn hangs through which eternal friendships are forged; the knowing glance across the dancefloor that leads to exchanged phone numbers, that ominous 3 a.m. phone call from the hospital; the decision to turn a new leaf that can only come when you’ve spent five despairing hours staring at a ceiling fan. These are the worlds that Stars songs inhabit, to show us that, even in our most vulnerable and naked states, we are never truly alone.

Stars’ albums have always served as thermochromic barometers of their makers’ emotional well-being, be it the romantic upheaval of 2003’s Heart and 2004’s Set Yourself On Fire, the newsticker-triggered discontent of 2007’s In Our Bedroom After the War, the downcast elegies of 2010’s The Five Ghosts (a requiem for singer Torquil Campbell’s father, who passed away during the album’s creation), or the rejuvenation of 2012’s The North (recorded while inter-band couple Amy Millan and Evan Cranley were in the throes of new parenthood). However, as Millan admits, the band initially approached its new seventh album from a place of relative stability. “We’ve always had so many things defining every album, whether it was the band going through a difficult emotional turmoil, Torq’s father passing away, or us having children. And now it’s like: You know what? We’re pretty good. This is one of the best times of our lives.”

This time around, Stars decided to scratch the seven-album itch by shaping their own environment. After inheriting the Mile End rehearsal space vacated by the then-disbanding Handsome Furs, Stars refashioned the space—“basically a dirty apartment,” says Cranley—into a fully operational studio, where recording for No One Is Lost began last December with old friend Liam O’Neil (Metric, The Stills) behind the boards.

“It was initially quite painstaking,” says keyboardist Chris Seligman. “But we put love into our space and our space gave us love back.”

Campbell is also a parent, but his recording sojourns in Montreal allowed him to keep, shall we say, more traditional musician’s hours.

“I’m a nighttime guy, I don’t really like making records in the day,” says Campbell, who made the studio his home for the duration of his recording sessions. “I slept on the couch. I’ve never enjoyed making a record so much, because I always hated going home at the end of the day. This time, in Montreal, the studio was my home.”

Funnily enough, it was during one of Campbell’s studio sleepovers that the city itself became truly present: noise was bleeding in from the gay discotheque, The Royal Phoenix, located on the floor below them.

Says Campbell: “I went to sleep to the sound of Charli XCX every night—and I loved it.”

So rather than fight the funk, Stars rolled alongside, with the incessant 4/4 thump emanating from below serving as the metronomic template that would form the basis of No One Is Lost. You can hear that influence percolate in real time on the album’s monumental lead-off track “From the Night”—Stars’ most epic opening salvo since Set Yourself on Fire’s “Your Ex-Lover Is Dead”—with a near-subliminal pulse vibrating the floorboards beneath your feet before exploding into a kaleidoscopic, French-touched house jam. And that crowd noise you hear at the beginning? That’s Millan and Seligman walking into The Royal Phoenix during a Friday-night rager, field-recording gear in hand.

“The sub-bass throb coming from the club below our studio was undeniably and unavoidably influential,” affirms drummer Pat McGee. “It motivated us to out-throb the throb.”

But the Royal Phoenix proved to be more than just a musical inspiration; the bar essentially served as Stars’ home away from home, with the band coming to know the servers on a first-name basis, and even getting cocktails christened in their honour. And through observing the bacchanalia playing out every weekend in their de facto rec room, the thematic framework for the album came into focus.

“I always find it so moving and beautiful to watch people have their nights out. “ Campbell explains. “There’s something so heartbreaking about it: People have jobs that they have to get up for, jobs they hate, and they live for the weekend; they live for these moments. And they put everything they have into it: They put all their money into it, they put their emotion into it, they sacrifice their health for it, just to make a connection out there, and go home with someone and not be alone.”

During the writing of the new album, Stars were hit with another cruelly sobering reminder of just how precious our days here on this planet really are: the band’s long-time manager, Eoin O Leary, was diagnosed with cancer.

Fortunately, No One Is Lost translates all that anxiety into pure ecstasy, from the laser-cut new-waved precision of Millan’s “This Is the Last Time” to the soaring, Mozzerific chorus of Campbell’s “Trap Door” to the dreamy duet “Look Away.” And the titanic title track-closer—the sound of a dancefloor being swallowed whole by an ocean of sweat and swapped spit—feels like the moment Stars’ entire 15-year journey has been leading up to, a euphoric house banger that distills all the hope, fear, joy, sadness, and sex in the band’s songbook into a pair of unshakeable mantras: “put your hands up because everybody dies / put your hands up if you know you’re going to lose.”

“The fact Eoin got cancer is definitely sewn into the fabric of the album, lyrically and sonically,” Millan reveals. “Because you had to believe he was going to be okay. [Spoiler alert: he’s currently recovering from treatment quite nicely.] I think that’s where the title No One Is Lost comes from: We were the army standing behind him.”

Campbell, for his part, offers a somewhat more urgent interpretation:

“This record’s called No One Is Lost because that is a fucking lie. We are all lost, we are all going to lose this game and, as you get older, you lose people more and more. Eoin’s been facing down the Grim Reaper, and that was bringing us the fuck down. But we decided to go for it anyway, and so did he, and it was enormous act of blind hope to even think he would make it this far. So I wanted to call this record No One Is Lost because I just wanted to close my eyes and jump and hope that was true. Life is loss, love is loss. And loving people is about accepting that you’re going to have to say goodbye to them. And that’s why it’s fucking brave. It’s easy to hate, because you never have to let go of anything. It takes guts to be gentle and kind. That’s Stars’ ethos: this life is very heartbreaking and sad… so let’s get completely fucking arseholed and listen to some Dionne Warwick.”

Alas, Stars will need to find a new place to get arseholed: The day that the mastering of No One Is Lost was completed last July, word got out that The Royal Phoenix was closing, despite its undiminished popularity among local revellers. But then, this sudden turn of events was an oddly appropriate denouement for an album that evolved according to its own curious logic. After all, No One Is Lost is a record that began with Stars building a studio hideaway that allowed them to function as a self-contained unit free of external pressures, yet wound up being greatly shaped by its surrounding environment. And it’s a record that, at its core, was intended as a celebration of life but became a rallying cry for an ailing friend and, now, a eulogy to a beloved bar. But that’s the equally wonderful and terrifying thing about living for the night: you never know what the next one’s going to bring you. Each sundown marks not the end of the day, but the beginning of a new adventure into the unknown—and No One Is Lost is the radiant flash of pink neon that lights the way. So, go dance.